GALERIE ZIMMERMANN

Mel Ramos "Lola Cola 5"

Neu bei Galerie Zimmermann & Heitmann:

Mel Ramos "Lola Cola 5"


Die Lithografie wurde in 30 Farben auf 330 Gramm Revere-Magnani Papier geduckt
61 x 46 cm (Format des Motives)  auf 80,5 x 58,5 cm (Blattformat)
Die Auflage beträgt 120 Exemplare, welche vom Künstler nummeriert und handsigniert sind
Subskriptionspreis bis Ende August: 4.000 Euro (danach 5.000 Euro)

Mel Ramos "Lola Cola 5" 2018

Mel Ramos "Lola Cola 5"
 

Mel Ramos

Ein sehr bekannter Vertreter der Pop-Art ist Mel Ramos. Der Künstler ist der Sohn portugiesischer Einwanderer und wurde 1935 in Sacramento, Kalifornien geboren. Heute hat der Künstler Wohnsitze in Kalifornien sowie wie in Spanien und ist insbesondere für seine bunten Pin-Up-Zeichnungen bekannt. 


Mel Ramos studierte Kunst am Sacramento Junior College sowie am State College. Sein Lehrer Wayne Thiebaud, ebenfalls ein Maler, brachte Ramos den "Abstrakten Expressionismus" der sogenannten "Bay Area Figurative School" näher. Dieser Stil herrschte in den USA vor allem in den 1950-er Jahren vor. Die Leidenschaft für Comic-Figuren war am Anfang von Ramos Karriere groß, so zeichnete er ab 1961 zunächst männliche Superhelden, wie Batman, Superman oder The Spectre. In 1963 erreichte Mel Ramos seinen endgültigen Durchbruch, indem er begann, weibliche Figuren aus der Comic-Welt zu zeichnen, wie Wonderwoman, Venus oder Supergirl. 


Angelehnt an den Stil seiner weiblichen Comic-Heldinnen widmete der Künstler sich der Darstellung von "Commercial Pin-Ups", welche zu seinem Markenzeichen geworden sind. Seine Pin-Up Zeichnungen erinnern an typische Arrangements, welche man in der Werbung dieses Jahrzehnts vermehrt vorfand. Ramos parodiert mit seiner Kunst die Werbebranche, welche die Produkte mithilfe einer Darstellung aufreizender, weiblicher Sexualität zu verkaufen suchte. Die Bilder, die in der Werbung entstanden sind und die Ramos im überspitzten Stil zeichnet, zeigen Frauen, die leicht bekleidet in einer vulgär-vitalen Pose auf dem Werbeprodukt drapiert sind, wodurch die Kauflust des Kunden mit sexuellen Reizen geschürt werden soll. Ramos Werke sind in knalligen Farben gehalten und zeigen untere anderem eine nackte, junge Frau, die sich in einem Martini-Glas räkelt sowie eine Frau, nur mit Schuhen bekleidet, die sich an einer "Campari"-Flasche festhält und dem Betrachter ihre Rückseite zeigt. Andere Werke zeigen Frauen, die nackt auf einer Zigarre drapiert sind oder im Rahmen eines Schlüssellochs präsentiert werden, sodass der Betrachter das Gefühl hat, die Frau durch ein Schlüsselloch zu beobachten. Diese Werke erscheinen versachlicht und, wie es in der Pop-Art üblich ist, in ein grünes Neon-Licht getaucht. 


Durch seine explizite Frauendarstellung erfuhr Ramos in den 1960-er Jahren vermehrt Kritik, erst aus konservativer und später auch aus feministischer Seite. Bei einer Ausstellung in Köln im Jahr 1967 wurden Ramos' Bilder von der Polizei mit Tüchern verhängt. Es handelte sich bei dieser Ausstellung um die Bilder aus Ramos' Serie "Animal Paintings", bei der leicht bekleidete oder nackte Frauen zusammen mit Tieren wie Nilpferden, Kängurus oder Robben posieren. Nichts desto trotz hatte Ramos viele weitere Ausstellungen, welche sich bis heute einer großen Beliebtheit erfreuen. Auch, wenn seine Pop-Art Werke provokativ sind, bleibt die Beliebtheit dieser dennoch ununterbrochen. 


Ab dem Jahr 1972 wandte sich Mel Ramos seinen "Unfinished Paintings" zu. Die Werke erinnern an Aktbilder klassischer Künstler des 18. und 19. Jahrhunderts wie Ingres, Modigliani oder Manet. Jedoch ersetzte Ramos die subtile Erotik der Künstler durch Pin-Ups und deren direkteren Sexappeal. Mit weiteren Serien wie "I still get a thrill when I see Bill" und "The Transfiguration of Galatea" bediente der Künstler sich erneut bekannten Zitaten aus der Kunstgeschichte, die die Werken Willem de Koonnings und diverse antike Skulpturen als Referenz nutzt. Ramos kombiniert in diesen Werken realistische Zeichnungen mit skizzenartigen Zeichnungen. So zeichnet er Frauen, deren Köpfe realistisch dargestellt werden und deren Körper vom Rezipienten nur skizzenartig, beziehungsweise modern-abstrakt, erahnt werden können, jedoch trotzdem aufreizend wirken. Seine Serie, die auf antiken Skulpturen basiert, zeigt einen Übergang vom realistisch gezeichneten Kopf der Frau zum Skulptur-artigen Körper. 


Mel Ramos basierte seine Aktzeichnungen häufig auf bekannten Persönlichkeiten, wie unter anderem Marilyn Monroe oder Scarlet Johansson. Am 22. November 2016 wurde sein Werk "Peek-a-boo Marilyn" von 1964 im Rahmen einer Auktion zur "Zeitgenössischen Kunst" für €173.800 versteigert. 


Mel Ramos Werke sind provokativ und humorvoll und vermischen idealisierte Frauenkörper mit Bildern der Pop-Kultur. Der Künstler betont immer wieder, dass seine Werke unpolitisch sind, sie werden jedoch trotzdem häufig als kontrovers und provozierend wahrgenommen, was ihre Beliebtheit nicht gemindert hat. 


Von 1966 bis 1997 lehrte der Künstler als Professor für Malerei an der California State University in Hayward.


Udo Lindenberg Graphiken kaufen

Graphiken von Udo Lindenberg
 

Udo Lindenberg ist ein Multitalent. Wir kennen ihn in erster Linie als Musiker mit hohem Wiedererkennungswert, aber er birgt noch weitere Talente – er ist auch Schriftsteller und Kunstmaler. Seit Mitte der 1990er Jahre widmet sich der begabte Künstler neben der Musik auch der Malerei. In seiner ausdrucksstarken Graphik setzt er mit gekonnten schwungvollen Linien seine Musik in optisch ansprechende Bildwerke um. Inspiriert wurde das Multitalent von Joseph Beuys, einem angesehenen deutschen Künstler, der als Gegenspieler zum weltberühmten Maler Andy Warhol gilt.


Auf den Bildern ist meistens Udo Lindenberg selbst zu sehen in verschiedenen Szenarien passend zu seinen aktuellen Songs und Alben. Besonders einzigartig werden sie durch den gewissen Witz, den Lindenberg mit Bildkontext und Worten in den Bildern verarbeitet. Einige Zeichnungen enthalten Titel seiner eigens komponierten und geschriebenen Lieder, andere einzelne Schlagworte und lustige oder zum Nachdenken anregende Sätze.


Die Figuren werden einfach und leicht überspitzt dargestellt, was zu einer leichten Karikierung der Graphiken führt und ihnen einen ganz eigenen Charakter verleiht. Die verwendeten Farben der Graphik sind kräftig und leuchtend. Seine Werke wurden bereits in renommierten Galerien wie dem Haus der Geschichte in Bonn oder dem Beuys-Museum im Schloss Moyland in Kleve gezeigt. Seine Graphiken werden auch als „Likörelle“ bezeichnet, die auf die besondere Maltechnik Lindenbergs anspielen. Udo Lindenberg hat sich seine selbst kreierten Farben aus Aquarellfarben mit buntem Likör sogar patentieren lassen. Um die ganze Welt an seinen Kunstwerken teilhaben zu lassen, eröffnete Udo Lindenberg im März 2018 sein eigenes Museum mit dem Namen 'Panik-City' auf der Reeperbahn in Hamburg.


Das Museum zeigt Lindenbergs Werke und sein Leben rund um Musik, Kultur, Malerei und Politik. Wer gerne ein Original von Udo Lindenberg an der Wand haben möchte, kann ab 1.200 Euro Graphiken bei uns erwerben. Da er seine Fans liebt, ob mit kleinem oder großen Geldbeutel, hat Lindenberg eine kleine Sonderedition mit handsignierten Zeichnungen herausgebracht, die seine Anhänger sich für im Vergleich zu seinen anderen Werken günstiges Geld leisten können. Die Sonderedition ist jedoch auf 200 Werke weltweit begrenzt.


Günther Uecker "Ouroboros 2018"

Günther Uecker

Künstlerjahre unter dem Einfluss von Kriegstraumata


Günther Uecker wurde am 13. März 1930 in Wendorf bei Crivitz als Sohn eines Ingenieurs geboren. Von den Traumata des Zweiten Weltkrieges geprägt, studierte er von 1949 bis 1953 zunächst in Wismar an der Fachschule für angewandte Kunst und danach in Berlin-Weißensee an der Kunstakademie.


Erster Kontakt mit abstrakter Kunst


1951 nahm er an den Weltjugendspielen in Ost-Berlin teil. In einer Ausstellung in West-Berlin kam es zur ersten Berührung mit der abstrakten Kunst von Wassily Kandinsky. Diese prägende Erfahrung sollte ihn nachhaltig künstlerisch beeinflussen. 1953 zog er nach West-Berlin, wo er begann, sich mit abstrakter Kunst vertraut zu machen.


An der Kunstakademie in Düsseldorf folgte zwischen 1955 und 1957 ein weiteres Studium bei seinem Vorbild Otto Pankok, einem antifaschistischem Expressionisten. An der gleichen Kunstakademie unterrichtete er ab 1974 als Professor. 2011 wurde er zudem zum Ehrensenator der Universität Tübingen ernannt.
 

Günther Uecker "Ouroboros 2018"

Günther Uecker "Ouroboros 2018"


Faszination Lichtmedien

1961 trat er der im Jahre 1958 von Heinz Mack und Otto Piene gegründeten Avantgarde-Künstlergruppe ZERO bei und begann sich ab dann mit Lichtmedien zu beschäftigen. Bereits 1962 wurde sowohl im Stedelijk Museum in Amsterdam, als auch im Palais des Beaux-Arts in Paris, ein "Salon de lumière" realisiert. In Krefeld und Frankfurt wurden daraufhin weitere Lichtsalons ins Leben gerufen.


Einzigartige Werke mit unverkennbarem Stil
 


Günther Uecker zählt zu den bedeutendsten und teuersten Gegenwartskünstlern. Sein beeindruckendes Schaffen umfasst Werke aus den Bereichen der Malerei, sowie der Objekt- und Filmkunst. Mit ungewöhnlichen, meist monochromen, Prägedrucken und reliefartigen Nagelbildern, die teilweise der kinetischen Kunst zuzuordnen sind, erlangte er nationale und internationale Berühmtheit. 
Zu seinen liebsten Motiven gehören mit Nägeln "gezeichnete" Spiralen, die verwandlungsreich und beinahe poetisch mit Licht und Schatten spielen. Neben Nägeln finden aber auch beispielsweise Sand und Wasser als Medien ihre Verwendung. Meist in weißen Maleranzügen oder Latzhosen gekleidet, werden abwechselnd aggressiv und meditativ wirkende Kunstwerke erschaffen.


Auszeichnungen und Ausstellungen


Neben zahlreichen Auszeichnungen hat sich Günther Uecker unter anderem durch Ausstellungen im Museum of Modern Art in New York und im Musée des Beaux-Arts in Brüssel Anerkennung verschaffen.


Offizieller Mel Ramos Händler

Mel Ramos hat sein Vertriebsnetz gestrafft und es wurden Händler als offiziell autorisiert bzw. zertifiziert.

Wir, die Galerie Zimmermann & Heitmann, sind nun eine der wenigen Galerien, die seine Graphiken offiziell verkaufen dürfen.

Gehen Sie auf Nummer sicher und kaufen Sie die Arbeiten bei Profis - Denn Sie können sicher sein, dass sich die Arbeiten in einem Top-Zustand befinden und Sie bekommen zudem ein Echtheitszertifikat.
 

Bei Fragen erreichen Sie uns telefonisch unter 0231 572133


Bild einrahmen lassen in Dortmund

Der Rahmen macht das Bild
Der Rahmen macht das Bild Sie haben ein richtig schönes Bild erworben. Danach haben Sie schon lange gesucht. Doch wie soll es nun gerahmt werden? Welcher Rahmen passt optimal zu dem Bild? Denn Rahmen ist nicht gleich Rahmen! Ein passender Rahmen verhilft dem Bild erst zur richtigen Geltung. Daher ist die Auswahl des passenden Rahmens von großer Wichtigkeit.


Der passende Rahmen wertet das Bild auf
Der passende Rahmen gibt dem Bild halt - und das im doppelten Sinn. Zum einen kann nur so das Bild "aufgehangen" werden. Zum anderen wird das Auge auf das Bild fokussiert. Mit dem richtigen Rahmen wird das Bild gegen die Einrichtung des Raumes optimal abgeschirmt. Nur so kommt die volle Wirkung des Bildes erst zur Geltung. Das Bild bekommt so ein Alleinstellungsmerkmal. Wir, die Galerie Zimmermann & Heitmann, sind für Sie der richtige Ansprechpartner. Seit 1879 fertigen wir für Sie Einrahmungen in Dortmund.


Bei der Auswahl des Rahmens an das Bild denken
Bei der Auswahl des Rahmens ist es sehr wichtig, an das Bild zu denken! Denn nur wenn der Rahmen auch zu dem Bild passt, kommt das Bild richtig zur Geltung. Daher sollte der ausgewählte Rahmen auch zu Form und Farbe sowie Stil des Bildes passen. Wurde beispielsweise ein Bild aus der Zeit des Jugendstils erworben, so sollte der Rahmen in Form und Farbe auch dieser Epoche entsprechen. Denn die Entstehungszeit des Bildes sollte bei der Auswahl des Rahmens berücksichtigt werden. Auch ist die Farbauswahl des Rahmens von hoher Wichtigkeit. Die Farbe des Rahmens sollte sich in dem Bild wiederfinden. Auch die Breite und die Form des Rahmens sollten dem Stil und der Größe des Bildes entsprechen. Es können graduelle Konzessionen an den Stil der Einrichtung gemacht werden. So kann beispielsweise zwischen einer Holzleiste mit verschiedenen Oberflächenstrukturen, Farben und Formen oder einer eher kühl wirkenden Aluminiumleiste gewählt werden.


Rahmen sorgt für zeitloses Bild
Haben Sie etwa ein Originalbild erworben, das auf Leinwand gemalt ist, so wird dieses auf einen Keilrahmen gespannt. Es empfiehlt sich, die Einrahmung mittels einer Schattenfuge vorzunehmen. Weniger empfehlenswert ist es, der Mode des rahmenlosen Aufhängens des Bildes zu folgen. So wird - gerade bei einem Original - dem Bild das Zeitlose genommen. Daneben erfolgt von einem ungerahmten Bild gerade keine Fokussierung auf das Bild. Vielmehr verschwimmt beim Betrachten das Bild auf der Wand.
 


Ein "Muss" bei jeder Einrahmung
Das säurefreie und altersbeständige Passepartout gibt ihren Bild die notwendige Distanz zu dem Rahmen. Das Bild hat damit den nötigen Platz "zum Atmen". Auch wird so für eine optimale Fokussierung der Augen auf das Bild gesorgt. Nicht weniger wichtig ist die richtige Auswahl des Bilderglases. Hier sollte auf Glas geachtet werden, das vor lichtbedingter Alterung schützt. Zur richtigen Rahmung und Befestigung des Bildes wird eine dem Falzmaß des Rahmens angepasste Rückwand benötigt. Hierbei sollten nur säurefreie Materialien verwendet werden. Wichtig ist es auch, dass Passepartout, Glas und Bild sowie Rückwand staubdicht abgeklebt werden. Es ist sehr ärgerlich, wenn Staub oder andere kleine Teile die Optik des Bildes stören. Bei der Aufhängung des Bildes sollte sich an dem Gewicht und der Größe des eingerahmten Bildes orientiert werden.
 


Mel Ramos zum Vorzugspreis: Black Cat 2018

In Kürze erscheint die neue Grafik des US-Pop-Art-Stars Mel Ramos. Wir können Ihnen dieses tolle Blatt zum Vorzugspreis von 4.000 Euro anbieten - Ab Mai kostet die Arbeit dann 5.000 Euro.

Mel ramos "Black Cat"

Künstler: Mel Ramos
Titel: Black Cat
Preis: 4.000 Euro (Bis Ende April)
Maße: 71 x 100 cm
Handsigniert
 

Mel Ramos, der mit vollem Namen Melvin John Ramos heißt, ist ein bedeutender US-amerikanischer Pop-Art-Künstler. Geboren wurde er am 24.07.1935 in Sacramento, Kalifornien. Seine Eltern waren portugiesische Einwanderer. Mel Ramos studierte Kunst am Sacramento State College, wo er bei seinem Mentor Wayne Thiebaud, ebenfalls ein bekannter Vertreter der Pop-Art, lernte. Das College schloss er mit einem Master ab. 1955 heiratete er Lolita Alice Helmers, eine kalifornische Künstlerin und Schönheitskönigin.

Im Alter von 26 Jahren begann Mel Ramos mit dem Malen von Comicfiguren, wobei ihn vor allem die Superhelden wie Batman oder Superman interessierten. Weibliche Superhelden inspirierten ihn schließlich zu den Motiven, die zu einem charakteristischen Kennzeichen für seine Kunst wurden: Commercial Pin-up-Girls. Ab 1963 malte er vor allem Bilder von nackten oder aufreizend gekleideten Frauen in Kombination mit Konsumartikeln. Dabei parodierte er durch eine überzogene und teilweise vulgäre Darstellung die Verwendung von sexuellen Reizen in der Werbung, die in den 1960er Jahren ihren Höhepunkt erlebte. Beispiele für seine Kunst sind die Abbildung einer nackten Frau, die in der Verpackung eines bekannten Schokoriegels posiert, oder die Darstellung einer Frau, die sich lasziv an eine Cola-Flasche lehnt oder auf einer Zigarre räkelt. Häufig verwendet Mel Ramos in seiner Kunst Markenartikel, die auch deutlich als solche zu erkennen sind. Beeinflusst sind die Werke nach wie vor durch die Darstellungen in Comics.

Die Bilder von Mel Ramos passten zum damaligen Zeitgeist und erlangten schnell Bekanntheit. Seine Kunst war in zahlreichen Ausstellungen zu bewundern, so zum Beispiel im Jahr 1964 in der Bianchini-Gallery in New York oder 1966 durch Teilnahme an der Wanderausstellung „11 Pop-Artists“. Auch in Deutschland wurde seine Kunst gezeigt. Seit 1966 war Mel Ramos auch als Dozent für Malerei an der California State University tätig. Natürlich rief die provokante Kunst auch Kritiker den Plan, die die aufreizende und freizügige Darstellung bemängelten. 1967 führte dies dazu, dass Bilder auf einer Ausstellung in Köln nicht gezeigt werden durften. Es handelte sich um Bilder aus der Serie „Animal Paintings“, die Frauen in Interaktion mit Tieren zeigen. Es folgen zahlreiche weitere Einzel- und Gruppenausstellungen, in denen die Kunst von Mel Ramos zusammen mit der von weiteren Pop-Art-Vertretern wie Andy Warhol oder Roy Lichtenstein gezeigt wird.

Im Jahr 1986 wurde Mel Ramos von der National Endowment fort he Arts mit dem Visual Artists Fellowship Grant ausgezeichnet. Zahlreiche Bücher mit seiner Kunst sind bereits erschienen. Heute lebt Mel Ramos in Oakland, Kalifornien sowie in dem spanischen Ort Horta de San Juan. Er malt nach wie vor und ist seinem Stil bis heute treu geblieben. Inzwischen gilt er als einer der bekanntesten Vertreter des Pop-Art.


Armory Show 2018 in New York: Moderne Kunst facettenreich zelebriert

Armory Show 2018 in New York: Moderne Kunst facettenreich zelebriert

Seit ihrem Debüt im Jahr 1994 zählt die New Yorker Armory Show zu den herausragenden Ereignissen im Bereich der zeitgenössischen Kunst. Zwischen dem 8. und 11. März 2018 ließen sich die Besucher bei der 24. Edition der Kunstmesse an den West-Side-Piers von den beeindruckenden Werken aus 31 Ländern inspirieren. 3D-gedruckte Skulpturen waren ebenso zu sehen wie bedeutende Arbeiten von legendären Künstlern, die in Deutschland verwurzelt sind. So gelang es Nicole Berry, das Publikum nicht nur zu begeistern. Durch das gelungene Konzept der ambitionierten Geschäftsführerin wurde das Event dem übergeordneten Ziel gerecht, kritisch-konstruktive Dialoge anzustoßen. 

Fulminanter Auftakt mit einer zeitkritischen Installation von JR 

Wer sich über den West Side Highway dem Veranstaltungsort an den Piers 92 und 94 näherte, wurde umgehend auf das Ereignis der Kunstszene aufmerksam. Denn am Eingang der 24. Armory Show wurde eine fotografische Installation positioniert, die mit ihren monumentalen Maßen verblüffte. Kunstkenner erkannten sogleich, dass das gigantische Werk aus der Feder von JR stammt. Bewusst tritt der Franzose in der Öffentlichkeit immer mit schwarzer Sonnenbrille und Hut auf, um seine Individualität nicht ins Rampenlicht zu rücken. Das Interesse des Publikums fokussiert sich dadurch umso mehr auf die tiefsinnigen Projekte, die er in aller Welt umsetzt. Bei der Armory Show 2018 regte er sowohl die Besucher der Kunstmesse als auch zufällige Passanten mit seiner Arbeit "So Close" zum Nachdenken an. 

Hierfür wählte JR ein fotografisches Zeitzeugnis, das auf Ellis Island entstand. An diesem Ort kamen zwischen 1892 und 1924 rund zwölf Millionen Einwanderer voller Hoffnung in den USA an. Das historische Szenario überlagerte er mit aktuelleren Porträts von syrischen Flüchtlingen, die im jordanischen Lager Zaatari einer ungewissen Zukunft entgegenblicken. Es ist typisch für den Künstler, dass er die Messegäste bei der Ankunft an den New Yorker Piers unausweichlich mit einem politischen Problem konfrontierte. Dass als Ausstellungsort für eine Arbeit, die den Zugang zu einem Land thematisiert, der Messeeingang gewählt wurde, ist ebenfalls charakteristisch für JR. 

Nachhaltig beeindruckende Ausstellungskonzepte 

Das politisierende Werk des Street Art-Künstlers war der Sektion "Plattform" zugeordnet, für die sich Jen Mergel verantwortlich zeigte. Dieses Areal der rund 76.000 Quadratmeter umfassenden Armory Show fokussiert sich seit zwei Jahren auf großformatige Präsentationen. Für die Messe 2018 wählte die renommierte Kuratorin aus Boston gezielt Arbeiten von Nachwuchskünstlern aus, an denen sich neuartige Tendenzen des kreativen Schaffens ablesen lassen. Gabriel Ritter, der das Institute of Art in Minneapolis leitet, organisierte hingegen die Sektion "Focus".

Beim übergeordneten Thema entschied er sich für den Einfluss der Technologie auf die Darstellung des physischen Körpers. Bewusst stellte der Kurator gemeinsam mit den 28 geladenen Galerien ein Potpourri zusammen, das von der Videokunst des koreanischen Pioniers Park Hyun-Ki bis zu den innovativen Werken der jungen Französin Claire Tabouret reichte. So ergab sich eine Zeitreise, die ein halbes Jahrhundert der Kunstgeschichte umfasste. Dementsprechend leicht viel es den Besuchern, die zeitgenössischen Arbeiten zum ausgewählten Motto in den historischen Kontext einzuordnen. 

Tausende Werke mit extraordinärem Charakter 

Aus dem Reigen der rund 250 Kunstmessen, die weltweit pro Jahr veranstaltet werden, sticht die Armory Show hervor und genießt einen exzellenten Ruf. Für das Event bewerben sich ausgesprochen viele Galerien und Kunstprojekte, von denen nur ein Teil tatsächlich geladen werden kann. Ein hochkarätiges Komitee pickt mit größter Sorgfalt die vielversprechendsten Interessenten heraus, die allesamt mit spannenden Konzepten und exzeptionellen Ausstellungsobjekten überzeugen. Jedes einzelne Werk, das die 198 beteiligten Galerien aus 31 Ländern zwischen dem 8. und 11 März vorstellten, hätte sich demnach eine Einzelbetrachtung verdient. 

Vertreten waren bei der Armory Show 2018 nicht nur einige deutsche Galerien, sondern auch international bekannte Künstler aus der Bundesrepublik. Die Sektion "Insights" widmete sich bei der Messe wegweisenden oder bislang übersehenen Arbeiten von Künstlern des 20. Jahrhunderts. Das Publikum begegnete unter anderem Werken von Heinz Mack, der als Pionier der sogenannten Land Art gilt und mit seinen experimentellen Lichtreliefs für neue Impulse in der Kunstszene sorgte. Zu sehen waren außerdem Objekte des Licht- und Feuerkünstlers Otto Piene und von Günther Uecker, der mit seinen Nagelbildern einst einen unkonventionellen Stil vorstellte. 

Deutsche Nachwuchstalente beim Kunst-Event in Manhattan

Wer sich bei der Armory Show 2018 vom Talent der deutschen Nachwuchskünstler überzeugen wollte, kam ebenfalls nicht zu kurz. Alberta Niemann und Jenny Kropp sind die kreativen Köpfe des Künstlerkollektivs FORT, das 2017 gegründet wurde. Den beiden jungen Frauen gelingt es vortrefflich, scheinbar vertraute Dinge oder Begebenheiten des Alltags so zu arrangieren, dass sich eine befremdliche, poetische oder humoristische Konnotation entfaltet. Wie versiert das aufstrebende Duo mit den Sehgewohnheiten des Publikums spielt, verdeutlichte das ausgestellte Werk "Little Darling" bei der New Yorker Kunstmesse. 

Gleichermaßen faszinierend ist die Arbeit "Gliedermensch #27" von Louisa Clement aus Düsseldorf, die ebenfalls als maßgeblich für die jüngsten Entwicklungen der Kunst eingestuft wurde. In Berlin lebt Nadira Husain, die das anspruchsvolle Publikum mit ihrem Beitrag "Turbo Queen" begeisterte. Wenngleich die Malerin zu den Nachwuchstalenten zählt, pflegt sie bei ihren Gemälden und Installationen bereits einen unverwechselbaren Stil. Geometrische Muster, die an bemalte Fliesen oder Teppiche erinnern, treffen auf Comic-Figuren und Frauenporträts, die sich von femininen Klischees distanzieren. 

Beflügelnde Impulse für die zeitgenössische Kunst 

Den Organisatoren ist es zweifelsohne gelungen, mit der 24. Edition der Armory Show den facettenreichen Charakter der Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts zu verdeutlichen. Einige der ausgestellten Arbeiten bescherten dem Publikum schlicht und ergreifend ein unvergessliches Kunsterlebnis. Andere Objekte wurden hingegen dem Ziel gerecht, bei den Experten kontroverse Debatten anzustoßen und die neugierigen Besucher zum Nachdenken einzuladen. Diese Wirkung ist im Sinne der vier Galeristen, die in den 1990er Jahren die Messe ins Leben riefen. Für die erste sogenannte "Gramercy International Art Fair" mieteten die Initiatoren mehrere Etagen eines historischen Hotels an. Aufgrund des Erfolgs zog die Veranstaltung im Jahr 1999 in ein Gebäude des 69th Regiment Armory um, wodurch sich der direkte Bezug zu einem legendären Kunstereignis ergab.

Am identischen Ort lockte 1913 die "International Exhibition of Modern Art" die Besucher an, die auch als "Armory Show" bezeichnet wurde. Zu den rund 1.250 Ausstellungsobjekten gehörten beinahe 400 Gemälde und mehr als zwanzig Skulpturen aus Europa. Deren Stil wurde als radikal empfunden und in der Öffentlichkeit heiß diskutiert. Dass einige Werke die Kunstexperten ebenso schockierten wie das Publikum, war durchaus erwünscht. Die Veranstalter wünschten sich Denkanstöße für die Kunstszene in den USA, die aus ihrer Sicht zu sehr an herkömmlichen Wertmaßstäben festhielt. Rückblickend betrachtet gelang diese Mission, da im Anschluss viele ambitionierte Galerien gegründet wurden und zahlreiche US-Künstler einen markanten Stil herausarbeiteten. Nicht ohne Grund spielt die heutige Kunstmesse an den Piers 92 und 94 auf das historische Event an. Noch immer ist es das erklärte Ziel, dem Nachwuchs eine Plattform zu bieten und dafür zu sorgen, dass sich die zeitgenössische Kunst weiterentwickelt.


Günther Uecker "Spirale 2013"

Günther Uecker

Der Künstler Günther Uecker wurde am 13.03.1930 in Wendorf, Mecklenburg, geboren. Er begann seine künstlerische Ausbildung im Jahr 1949 mit dem Studium der Malerei. Nach Stationen in Wismar und der Kunstschule Berlin-Weißensee zog er 1955 nach Düsseldorf um, wo er an der dortigen Kunstakademie bei Otto Pankok studierte. In Düsseldorf ist Uecker seit 1974 als Lehrer tätig.


Ende der 1950er Jahre begegnete er der Gruppe ZERO, die von den Künstlern Heinz Mack und Otto Piene geprägt wurde. ZERO machte sich für einen Neuanfang der Kunst gegen das deutsche Informel stark. Uecker konnte sich dadurch mit optischen Phänomenen, Schwingungsbereichen und Lichtmedien beschäftigten, welche den Betrachter aktiv in das Geschehen mit einbezogen. Zuschauer hatten die Möglichkeit, die Objekte durch aktive Eingriffs- und Veränderungsmöglichkeiten zu beeinflussen.


1962 richtete Uecker gemeinsam mit Mack und Piene im Stedelijk Museum Amsterdam und im Palais des Beaux Arts in Paris den „Salon de lumière“ ein. Später folgten weitere Lichtsalons.

Günther Uecker "Spirale 2013"

Günther Uecker "Spirale 2013"


Nach Auflösung von ZERO begann Günther Uecker mit seinem Hauptgestaltungsmittel, nämlich dem Übernageln von Möbeln, Musikinstrumenten sowie Haushaltsgegenständen. Uecker verband Nägel mit dem Thema Licht und konnte auf diese Weise Serien von Lichtnägeln sowie kinetischen Nägel miteinander verbinden. Ein großes Thema wurden die Komponenten Licht und Strom, welche mit natürlichen Materialien wie Wasser und Sand verbunden wurde. Es entstanden Raumkonzepte, deren Zusammenwirken der einzelnen Elemente die Elemente Licht, Raum, Bewegung und Zeit miteinander verband.


Ueckers Repertoire beinhaltet Malerei, Objektkunst sowie Installation, Bühnenbilder und Filme. Sein Werk ist in vielen Sammlungen und Museen vertreten. 1998 bis 2000 schuf er den Andachtsraum des Berliner Reichstagsgebäudes.

Uecker wird als der Nagelkünstler bezeichnet, der neben Nägeln noch weitere Elemente wie Schnüre, Asche, Holz und Sand verwendet. Er gilt als bedeutender Stil begründender Künstler der Gegenwart, wobei der von ihm entwickelter Materialminimalismus ihn schließlich berühmt machte.

Die Avantgardekunstbewegung, welche aus ZERO hervorging, hatte sich zum Ziel gesetzt, nach dem Zweiten Weltkrieg ganz neu anzufangen und bei null zu beginnen. Je nach Lichteinfall ergaben sich unterschiedliche Schattierungen, aus denen wandlungsfähige Lichtobjekte hervorgingen. Diese erinnern wiederum an Blumen und Getreidefelder im Wind. Ende der 1950er Jahre wurden auch alltägliche Gegenstände wie Fernseher, Möbel und Musikinstrumente „genagelt“. Uecker erklärt dies mit dem „Eindringen von Kunst in die Banalität des Lebens". Nägel werden eingeschlagen, damit dadurch Widerstand entsteht.

Nägel haben in Ueckers Kunst die Funktion, neue Oberflächen zu bilden. Sie sind kein Mittel der Zerstörung, sondern sollen Blicke auf sie erzeugen. Die Funktion von Nägeln ist die Herstellung einer neuen Oberfläche, vergleichbar mit einem Pelz oder einem Fell, wodurch ein Kunst-Igel entsteht. Diese Reliefbilder von Uecker werden zudem mit Farbe geschlämmt oder zu Prägedrucken verarbeitet. Dabei dominiert die Farbe Weiß.

In den späten 1960er Jahren entwickelt Günther Uecker, dem damaligen Zeitgeist entsprechend, einen zunehmenden Aktionismus, wozu die „Besetzung der Baden-Badener Kunsthalle“, das „Gehen über Schnee“ und die „Beschießung des Meeres mit Feuerpfeilen“ zählen. Hinzu kommen Entwürfe für Bühnenbilder für die Opern „Lohengrin“ und „Tristan und Isolde“.

Der Künstler befasst sich zudem mit den moralischen Anforderungen an einen modernen Menschen, wobei Kunst als Möglichkeit der Schaffung einer ethischen Leitlinie für die Menschen verstanden wird.


Nach der Reaktorkatastrophe von Tschernobyl entstanden Aschebilder, die der Künstler nicht als Aggression, sondern Zärtlichkeit verstehen will. Zärtlichkeit sei zudem die Sehnsucht nach Liebe, die in den Bildern ihren Ausdruck findet. Nägel sind für Günther Uecker nicht ein Sinnbild von Zerstörung oder Gewalt. Sie sollen vielmehr Barrikaden aufheben und zur Besinnung anregen.


Uecker gehört zu der Generation, die den Zweiten Weltkrieg noch erlebt hat. Deshalb versteht er sich durch seine Kunst als Botschafter des Friedens sowie als Pazifist. Daneben ist ihm der Schutz der Umwelt wichtig. Von 1974 bis 1995 hatte Uecker eine Professur, die er an der Kunstakademie Düsseldorf ausübte. Er erhielt zahlreiche Auszeichnungen, wie u. a. den Kaiserring der Stadt Goslar, den Orden Pour le Mérite für Wissenschaften und Künste sowie das Bundesverdienstkreuz erster Klasse.